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Finn Juhl

  • 2017 |
  • 04 May

Finn Juhl (30 de enero de 1912 - 17 de mayo de 1989), danés, aunque arquitecto y diseñador de interiores, fue más conocido por sus extraordinarios diseños de muebles, sobre todo en los años 40, y por ser el más notable introductor en los EEUU del diseño nórdico.

Después de graduarse en arquitectura, trabajó durante 10 años en la firma de arquitectura de V.Lauritzen, donde también había sido aprendiz como estudiante. En esta etapa, Juhl fue responsable de gran parte del diseño interior de la sede de la emisora nacional Danmarks Radio, una de las tareas más destacadas de la firma. En 1943 recibió el Premio Hansen para jóvenes arquitectos.

En 1945 se estableció por su cuenta en Copenhague, especializándose en diseño de interiores y muebles, aunque su experiencia en este campo empezó bastante antes, en 1937, cuando comenzó una colaboración con el ebanista N.Vodder, que continuaría hasta 1959, exponiendo diversos trabajos, que, como todos sus obras de entonces, se producirían en tiradas muy cortas, ochenta unidades máximo, aunque fueron casi todos reeditados más adelante a mayor escala.

El primer trabajo de Juhl fue muy controvertido, la silla Pelican, de 1939, que fue caricaturizada como una "morsa cansada"; a pesar de las dificultades, la obra de Juhl comenzó a influir en el estilo de los hogares de la época, aunque no alcanzó el prestigio local de Børge Mogensen o Hans Wegner, quizás menos atrevidos en su inspiración.

En 1948, Edgar Kaufmann, del Departamento de Diseño Industrial en Merchandise Mart en Nueva York, recorrió Escandinavia buscando nuevas líneas de diseño, y quedó impresionado por el trabajo de Juhl, introduciéndole rápidamente en el mercado estadounidense. En 1951 participó en la exposición Good Design, en Chicago, con enorme éxito. En la Triennale de Milán ganó un total de 5 medallas de oro, aumentando exponencialmente su reputación internacional y convirtiéndose definitivamente en una figura de alcance mundial.

Juhl también creó refrigeradores para General Electric, cristalería, cerámica, diversas líneas de mobiliario, y fue diseñador de interiores de cabecera de diversas Instituciones, incluidas las Naciones Unidas.

Aunque en los 60 y los 70 su obra perdió cierto interés, ésta ha vivido un fulgurante renacimiento en la última década, convirtiéndose en un auténtico clásico del diseño.

 

Silla Mosquito de Arne Jacobsen

  • 2015 |
  • 16 May

Esta singular silla, re-editada y en lanzamiento desde este mismo año, fue diseñada por Arne Jacobsen (de quien ya hemos hablado repetidamente en nuestro blog), en el año 1955, conocida entre arquitectos, decoradores y profesionales como Silla Mosquito, aunque su nombre original es Munkegaard Chair.

 

Un diseño en la línea de Jacobsen, incorporando el concepto, muy precursor en su momento, de apilabilidad, con su elegancia y calidez habituales.

 

Puede interpretarse como una evolución de su famosa Silla Hormiga, de 1951, cambiando las tres patas de tubo doblado por 4, y ajustando la forma del respaldo-asiento, de una sola pieza conformada, a una forma más estilizada, y reduciendo las “orejas” de soporte de los hombros.

 

Esta silla fue diseñada originalmente para la escuela Munkegaard, al norte de Copenhague, edificio diseñado por Jacobsen, buscando su ligereza, facilidad de apilado y almacenado, resistencia i neutralidad estética, características que le han conferido un prestigio más allá de su uso escolar original.

 

Se lanza en madera de roble, fresno o nogal y maderas teñidas en diversos colores, y en diversas opciones tapizadas, en tejido y en piel, y también con variantes para el acabado de las patas.

Silla Cesca (o B32)

  • 2014 |
  • 18 May

Esta silla, diseñada por el arquitecto Marcel Breuer en 1928 (nada más y nada menos), es uno de les ejemplos de fusión entre tradición y modernidad más celebrados en la historia del diseño industrial. Por un lado, la estructura tubular (acero cromado), de rabiosa modernidad en aquel momento, llevada al extremo estructural por el voladizo del asiento, que mantiene el peso del usuario literalmente en suspensión. Por otro, el entramado de asiento y respaldo, de entretejido de mimbre, liviano, resistente y transpirable, extraído de las rejillas artesanales de butacas y sillas tradicionales del siglo XIX.

 

El contraste entre texturas naturales y metálicas es uno de los secretos de su presencia, que la hace apta para cualquier proyecto de arquitectura o interiorismo. La Cesca original (o Ceska, o silla B32) no disponía de brazos, aunque se fabricó posteriormente esta variante, como también se puede encontrar un modelo con asiento y respaldo en piel.

 

Marcel Breuer, alemán de origen húngaro se formo en la famosa Bauhaus, en le taller de carpintería, desde donde se convirtió en uno de los diseñadores  y arquitectos más influyentes del siglo XX. Una de sus edificios más famosos es el Museo Whitney en Nueva York, de 1966. También es el diseñador de la sede de la Unesco de 1958.

Otros diseñadores como Mart Stam, o el mismo Mies van der Rohe, desarrollaron este concepto de estructura tubular en voladizo casi al mismo tiempo que Breuer, quien no pudo patentar la B32 debido a algunos litigios de propiedad industrial, hecho que explica que sea quizás la silla más copiada de la historia del diseño. Os invitamos a revisar el resto de sillas y butacas de Breuer con estructura tubular, todas ellas con merecido rango de clásico. La silla B32 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York.

Otro clásico más.

 

proyecto de arquitectura

 

Las lamparas de PH

  • 2014 |
  • 12 May

 

 

Poul Henningsen (1894-1967), arquitecto (aunque no llegó a graduarse), escritor y crítico de arte danés, conocido simplemente como PH, llegó a ser, sin duda, el diseñador de lámparas más brillante de su época (entreguerras), aunque este título podría seguir vigente hoy en día.

Probablemente el primer teórico del confort visual, muchos de sus diseños más celebrados ocultan radicalmente la fuente de luz, eliminando el deslumbramiento de raíz; sus lámparas envuelven la lámpara con delicadas superficies curvadas y anilladas, estudiadas meticulosamente en geometría y acabado (superficies mates, brillantes o de color). Estas “alas” conducen la luz, por reflexión, combinando luz indirecta i directa, consiguiendo un efecto de suavidad y calidez inigualado. Se han convertido casi en seña de identidad del archiconocido “estilo escandinavo” en arquitectura o decoración.

 

Quizás las más exitosas de entre todas sean las suspendidas PH50, PH Artichoke i PH Snowball, aunque os invitamos a revisar sus variantes de pie o pared, y el resto de sus diseños. Los difusores yuxtapuestos e independientes les otorgan una ligereza y una “flotabilidad” que quizás sea parte de su enorme atractivo y adaptación a casi cualquier proyecto de interiorismo.

 

La PH50 es una lámpara colgante diseñada en 1925 (!); toma su nombre del diámetro en centímetros de su disco superior, y se ha convertido en un elemento casi venerado por arquitectos y decoradores. El modelo original dispone de una aleta interior roja sólo para la mejora de la calidez de la luz. Está disponible en infinidad de colores.

La PH Artichoke (literalmente “alcachofa”), de 1958, suspendida con cables, cambia la idea de los anillos por un sistema de escamas (72 unidades), con una estudiada inclinación descendente. El modelo pintado en blanco es el más conocido, pero existen variantes en cobre y en acero inoxidable muy celebradas también.

PH Snowball, de 1924, en color blanco, participa de las ideas de las dos anteriores, con una un anillado de inclinación variable, en acabado brillante sólo donde es necesaria la reflexión.

 

La silla DSW

  • 2014 |
  • 09 May

Un clásico más

 

La silla DSW (Dining Side Shell Wood), mutada en DSR (patas de metal), DSX (patas tubulares), DAR (asiento moldeado con brazos),DKR (asiento de hilo tramado de acero), RAR (patas balancín)...y más....

 

Charles y Ray Eames revolucionaron en 1950 (no sería la única ocasión) el mundo del diseño de muebles, ideando la que fue la primera silla de plástico (fibra de vidrio, en aquel momento) de fabricación industrial, a partir de una propuesta (de asiento metálico) desarrollada conjuntamente con Zenith Plastics para el concurso del “Low-Cost Furniture Design", organizado por el Museo de Arte Moderno, en 1948. Este diseño sigue siendo uno de los más aceptados en el mundo, se considera un auténtico icono, y es el favorito por decoradores y arquitectos de cualquier país para proyectos de arquitectura e interiorismo de cualquier tendencia; actualmente vive, además, un auténtico “boom”.

 

Una de las ideas de trabajo de los Eames siempre fue que sus diseños no fueran cerrados, que debían adaptarse a las novedades industriales o técnicas, y a nuevas necesidades, concibiendo sus diseños como esquemas abiertos y flexibles, cualidades que reúne la silla DSW en su misma genética.

 

Ésta radica en la simple descomposición de la silla en dos elementos, asiento y patas, buscando la mejor solución técnica para cada uno, y la plena intercambiabilidad de respaldos y soportes: asiento con o sin brazos, patas con mecedora, asientos calados, tapizados...adaptaciones para hogares, oficinas, espacios representativos... incluso para niños, jardín i exteriores, con una amplísimas variedad de colores, acabados y tapicerías. Con su forma orgánica simple, esta silla se revela hoy en día como un auténtico arquetipo. El asiento, con su peculiar forma de concha, se redondea justo en la zona de contacto con los muslos o la espalda, y tiene una profundidad perfectamente calibrada para su ergonomía. La versión actual (infinitamente copiada y clonada) se fabrica con asiento de polipropileno, con un mayor confort, más ventajas de fabricación y reciclable. La estructura original de patas torneadas de madera de arce y tirantes de acero en diagonales, intercambiable, le da una solidez y ligereza imbatibles, además de un aspecto atemporal “todo terreno”.

 

Charles Eames Ormond (1907-1978) fue un diseñador (y cineasta) americano extremadamente popular, considerado, junto a su esposa Ray, una de las figuras más influyentes en el diseño contemporáneo. Ya hemos hablado antes de sus diseños en nuestro blog, y no será ésta la última vez.

 

Un clásico más, sí.

 

Hay un por qué del éxito del estilo japonés en interiorismo

  • 2014 |
  • 03 May

¿Por qué el estilo japonés es tan popular para el diseño de Interiores?

 

El diseño de interior japonés, tradicional o contemporáneo, ha sido, es, y parece que seguirá siendo, una fuente de inspiración para arquitectos e interioristas de todo el mundo, y tiene una aceptación popular creciente.

Existen sólidas razones para ello.

La tradición japonesa se ha basado en cualidades muy sólidas, que, al mismo tiempo, se han adaptado al gusto y al modo de vida moderno sin dificultades: el amor y el respeto por la naturaleza, el minimalismo como actitud, el gusto por lo artesano y el “lujo culto” podría ser algunas de ellas.

 

La mentalidad japonesa, acostumbrada a la creación de entornos domésticos reducidos, de atmósfera zen, “filosóficamente” acogedores, como refugio al día a día frenético en el trabajo y en la calle, se ha extendido al mundo occidental sin problemas aparentes. La sabia adaptación de este concepto de “elegancia sostenible” a viviendas y espacios reducidos modernos también ha llegado a occidente, impulsada por una civilización industrial avanzada, tecnológica y basada en el diseño de calidad

 

El estrés del mundo laboral, y la misma configuración física de la vida urbana, los transportes, la tecnología, y la vorágine de las comunicaciones, han ido generando estilos de vida agitados, convulsos, contra los que un entorno doméstico cálido, natural y contenido resulta una fuerte defensa. Nuestro hogar tiende a ser cómodo, simple, calmante, contemplativo…cualidades que se encuentran como básicas en el estilo japonés (el principio “Dan-sha-ri”). La actitud más ecológica, más sostenible y defensora de la naturaleza, que crece sin parar en occidente, casa con estos principios a la perfección.

 

Una tendencia perfectamente consolidada en occidente es la de vivir en espacios más reducidos: facilidad de mantenimiento, movilidad laboral, cambios más frecuentes en la estructura familiar al largo de nuestra vida, envejecimiento de la población, desconfianza en la estabilidad de la economía…

El “minimalismo cálido” japonés se adapta a estos espacios más espartanos con flexibilidad y sabiduría. Una de las claves de este minimalismo es el respeto por los materiales naturales y los trabajos artesanos, que introducen directamente la naturaleza y la sostenibilidad a los hogares.

 

La dimensión social del baño en Japón, con sus legendarios balnearios y casas de baños, han revitalizado, por ejemplo, la importancia de las bañeras, del espacio de relax íntimo, en las casas occidentales, que habían relegado tradicionalmente los baños a espacios secundarios; ya no es tan difícil encontrar bañeras abiertas integradas en los dormitorios, o el uso de la madera en lavabos, duchas o tinas.

 

Con la introducción del budismo en Japón desde China, el arte de la meditación se convirtió en parte indisoluble de su cultura; sus antiguas ceremonias del té, su gastronomía “estética” i saludable, los meditativos jardines japoneses naturales, e incluso las artes marciales, tienen una forma de meditación intrínseca. La mentalidad zen, el yoga, la meditación… se han introducido en occidente de manera irreversible, y con ellos, los espacios y los elementos de mobiliario japonés.

Piedras rústicas, pizarras, aplicaciones del bambú, suelos y revestimientos de madera artesana, elementos florales pequeños y elaborados, bonsáis, separadores textiles, correderas ligeras, tinas de madera, cáñamo, sedas, vajillas de porcelana rústica, madera lacada…son elementos desarrollados durante generaciones en Japón y que se incorporan a nuestro estilo de vida sin dificultad.

Los hogares japoneses, como los nuestros cada día más, pueden ser pequeños, pero la sencillez minimalista de su diseño permite que uno se sienta relajado, aislado del día a día, liberado del desorden mental.

 

¿Te gusta el estilo japonés?

 

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